「唱功」到底是什麼？

呼吸、發聲、共鳴該如何練習與掌控？

咬字跟情緒該如何拿捏才能唱出真摯的情感？

進到錄音室要如何引導演唱節奏、找到歌手的最佳狀態？

如何編輯才能讓主唱的聲音更加精緻、更加動聽？

遇到演繹力欠佳的歌手又該如何「遮暇」？


謝文德老師入行已20餘年，自1990年代開始從事流行音樂錄音室幕後演唱工作，專精於 Vocal 演繹、歌手培訓，並擔任配唱製作人、和聲等工作

其中更有一項驚人記錄為：擁有超過2萬首的錄音作品、實際錄音時數超過4萬5千小時。

透過此次文德老師的專訪，將深入了解「配唱製作」的職人精神與實際工作面臨的挑戰，帶你一步步揭開歌曲動人的神秘面紗。




Q1：老師除了是一名優秀的歌唱指導外，同時也是一名優秀的歌手，熟諳流行歌曲演唱發聲原理與運作，

也能夠在配唱的過程中給予歌手最直接的引導，然而實務上並非每位歌手都是技巧純熟的演唱者

能不能請老師分享幾個配唱時的常見狀況以及因應原則？


​在錄音室裡頭狀況有千奇百種，最常遇見的其實就是「歌手不曉得怎麼唱」，這種情況下他們會很依賴配唱製作人、不斷地詢問該怎麼唱比較好

此時配唱製作人會因應不同歌手的程度、對音樂的理解能力，提供不同的引導。我曾經配唱過一個歌唱選秀節目出來的歌手，他的唱功其實非常好，

可是進錄音室一唱卻完全變了一個人，原因是過去在比賽當中唱的都是別人的歌，所以有模仿、投射的對象，比方說我知道這個地方要「滑音」是因

為原唱歌手已經幫我做好了，所以我跟著「滑音」；這個地方原唱有唱一個「假音」，所以我就跟著唱「假音」；這邊原唱有唱「氣聲」，那我就跟

著唱「氣聲」，但是當成為歌手、面對一首全新的歌曲時，這個新歌是沒有模仿對象的，歌手本身得要創造出屬於自己的演唱方式，但最重要的第一

步還是得要先讓歌手開口唱，再從他的音色、詮釋中，去雕塑出最適合他的樣貌。


​配唱是一個極度仰賴「信任感」的工作，配唱工作最困難的地方在於，即使製作人再會唱、也永遠無法幫歌手唱，你得想辦法讓他自己唱出來，在互

動過程當中，因為你懂唱歌、你懂後續編輯的重點、你知道哪一句的語氣是對的、你知道哪個 take 或哪個字可以剪過來用，才有辦法在過程中有效引

導，甚至激發歌手更多創意與發揮。



Q2：誠如剛剛老師所提到的，歌手本身可能對自己的聲音表現跟掌握度還不是那麼熟悉，那在這樣的情況

底下，配唱製作人是試著從它唱出來的語句裡頭找到聲音的特色嗎？可以透過什麼具體且有效的方式來引

導？


通常唱片公司或是企劃人員會為歌手設定一個樣貌，例如應該是以搖滾歌手、清新派、浪漫派或迷幻派等方式呈現，選過來的歌原則上會符合設定的

方向，配唱其實就是照著歌曲的樣子去執行。我不太認為配唱製作人需要特地幫歌手設計一些技巧，例如說氣聲、假音、抖音或是 Vocal Fry（哽

音），這是歌手本身就要去做的，尤其如果今天是一位需要比較多技術指導的歌手，其實你教他這些他也不知道該怎麼做、做到了其實也不像，並沒

有太大意義。我通常比較在意「音樂性」的情緒，在歌手演繹「情緒」時，最容易碰到的困難就是配唱製作人的畫面跟歌手的畫面不一樣，所以唱出

來的可能就不盡如你所想，那這時候該依歌手還是聽製作人的呢？


音樂的「畫面感」很奇特，它沒有形狀、沒有實體，唱出來的東西都會變成抽象的概念，例如它會變成顏色、變成溫度，你喜歡它冷一點、暖一點、

硬一點、軟一點，這個標準很難具象化，因此不容易跟歌手達成共識，那到底該如何做出「情緒」這個事情？情緒的來源是什麼？是來自你本身的感

受嗎？其實並不是。


​在華語流行歌裡約有 80% 是情歌，情歌裡 90% 講的都同一件事情，不脱我離開你、你離開我、我想念你、你想念我，所以我不太相信歌手每次都能

用不同的情緒去唱這些相同的歌曲，久了之後情緒會固定、肌肉會產生疲乏，也因此我認為大部分歌手唱歌時那個情緒通常都不是真實的（當然也是

有對歌曲有特別的認知、非常優異的歌手）。音樂最重要的部分在於它是個「樂句」，透過「連結」讓樂句順暢，而連結來自於「動態」。通常歌手

都知道我唱歌某些地方要用力、有些歌則要輕一點，但輕重並不是用力，輕重的意思是你必須讓這個字有感受、才會形成這個字的力量。總結來說，

強弱的規則有三條：長拍比短拍重、正拍比反拍重、pick-up 不要太重。




Q3：確實華語歌曲在咬字跟發音上有其獨特之處，是不是也請老師談談華語歌曲在演繹、發音上面獨有的

一些特性或慣性，讓大家聽完可以實際落實在演唱跟配唱上？


中文的發音很困難，中文字是「單音獨體」，單音獨體的意思是指「一個字只會裝一個音」，很早以前的中文老歌一個字會唱好幾個音、不斷地去連

結，在字的轉折當中產生流動的美感，可是現在的歌不流行這個，現在的流行歌是一個蘿蔔一個坑、一個字就必須裝一個音，但偏偏中文字單音獨

體，因此出現了很多有趣的挑戰。例如以「轉」這個字為例，你以為「轉」只有一個音嗎？拆解之後會發現它其實是由五個動作所組成：唇齒音、ㄓ

、ㄨ 、ㄚ 、ㄣ，出現在慢歌時一個字可能有 0.5 秒的時間去處理、還能輕鬆地把它咬完，但如果是在快歌裡該怎麼辦？要如何在這麼快的時間內去執

行這個字的動作？這就是中文字最難的地方。


咬字到底有多重要？中文字如果很精確地去計算的話有 12 個母音，分別是 ㄚ ㄛ ㄜ ㄝ ㄞ ㄟ ㄠ ㄛ ㄢ ㄣ ㄤ ㄥ，還有一些字會停在 ㄧ ㄨ ㄩ ，嚴格來

算的話這 3 個也算是母音，在演唱當中我非常強調「複音母音」這件事情，複音母音最難的部分在於它咬不完全，我曾經算過大概有超過 1/2 將近

2/3 的字是複音母音（你知道 ㄝ ㄟ 兩個字分別怎麼念嗎？），複音母音其中有一個規則是會讓你的口腔收回來，比方說「ㄤ」這個音，發到最後你的

舌面會貼住你的上顎，那這個動作有什麼好處？我在教唱的過程一直強調，唱歌需要把你的聲音盡可能放在江湖上人稱的「頭腔共鳴」或「混聲

區」，透過複音母音的運作，用接近第二個母音的位置去發音，聲音就很容易上到你的鼻腔，這其實就是最好的發聲方式，一來是節省氣息、二來是

可以讓你的聲音往前、往上提、pitch 就不會掉，這是非常有趣的身體氣息運作邏輯，只要分別把母音、子音處理好，唱歌就不會太難聽。


注音符號表

Q4：「配唱製作人」這個特別的身份其實並不多，老師覺得一般製作人跟配唱製作人之間有明顯的差距或

是門檻嗎？剛剛老師提及的其實很多是唱歌基本功，不懂得技巧或是自己無法唱歌是可以擔任這個角色的

嗎？


我認為製作人最起碼要「懂唱歌」，要知道整個發聲的原理、要知道歌手現在遇到什麼狀況，但要聽得懂，關鍵還是在「耳朵」而不是在喉嚨，你得

聽得懂現在歌手遇到的問題，例如他現在沒力、氣很鬆、或是喉嚨啞掉的原因，你必須要理解歌手現在遇到的狀況，並且提出解決方法，這是配唱製

作人需要做的工作。也由於科技的進步、或是說錄音技術的改變，讓現在的音樂變得越來越精緻、要求也越來越高，所以現今我們追求的除了「精神

面」的東西以外，也會追求很多很細緻、很細微的細節，也因此你更需要懂得唱歌的原理。


我認為配唱製作人本身還是要能唱歌會比較好，原因很簡單，因為你遇到的歌手通常不是大牌歌手，像阿妹、A-Lin 這種等級的歌手通常不會放你手

上，這類型的歌手基本上製作人只要跟她溝通歌曲的內容與方向，她自己就可以做得很好，而這樣的溝通關係就稱做「配唱製作」，但往往我們遇到

的歌手通常不是需要「配唱製作」，而是「配唱指導」，所以配唱製作人的身份其實有時候不是個 Vocal Producer，可能是個 Vocal Director（像是

戲劇導演一般），或甚至是一個 Vocal Coach（像是教唱老師一般），舉例來說，經常會聽到製作人希望歌手唱得再有力一點，此時歌手如果不懂得

怎麼做，就會開始用力一直唱、猛唱、唱到啞掉還是唱不到希望的樣子，如果你今天是個不會唱歌的製作人，其實就會很難去教會歌手怎麼唱歌。




Q5：如同老師所提到現在是科技的時代，音樂製作其實非常仰賴後製，特別是對 Vocal 的呈現有更高品質

的要求，想請教老師在配唱過程中，比較建議在一邊配唱的同時就去選擇合適的 Take，或是說一次讓歌手

進去錄好幾個軌道，再自己慢慢剪輯、挑選？


每個製作人的做法不盡相同，我知道有些人是習慣邊唱邊編輯，也就是說先讓歌手唱這一句或是這個段落，唱完之後馬上開始編輯、開始補唱，補完

第二句覺得不錯再選出不錯的 Take 再繼續編輯，這個作法對製作人來講很有成效也很有效率，因為歌手唱完的瞬間我也下班了，可是對歌手來講不

好、出來的東西不會好聽，因為它沒有情緒的連貫性，你會發現這些情緒它還是假的。


我前面有提到，雖然歌手所唱的情緒大多都是假的，但你還是會希望引導出歌手身體、心裡面最深層，他可能不願意、不輕易示人的那一塊情緒，就

像一個導演一樣，引導歌手做出一些他可能不太願意做的事、把他給挖掘出來，我還是會希望歌手能夠唱出一個很連貫的東西。
​

Vocal Editing（人聲編輯）示意圖

假設這位歌手的能力只能很完整的唱完一段，錄到這個好狀態時你就不應該停下來，唱歌時歌手的身體是有慣性的，他的情緒也有慣性，會一直滑

動、不斷地往前行，直到他停下來的那一刻你才可以喊休息，這是配唱製作人在掌握歌手情緒的時候需要學習的能力。歌手什麼時候該出來休息、什

麼時候不能出來休息，你必須要很堅定地立刻判斷，而這個時間不能超過 10 秒，因為歌手可能 30 秒不到情緒就沒了。在錄音室的另一頭，你其實可

以很明顯感受到他的麥克風位置已經不對了，因為那休息的幾分鐘他不會站在原地不動，可能會想要去喝點水、晃一晃，一回來麥克風位置就跑掉

了，真的就是那一點點時間的差別，歌手情緒、呼吸、整個思路被打斷了，這就是一個很可惜的配唱。


我覺得應該讓歌手一直維持在一個「Zone」、非常優越的狀態，在這個狀態裡用最快的效率把事情推進，而不要只是貪圖自己方便，暫停聽一下、調

一下才繼續錄下去。以我的配唱經驗來講，我會用整首歌去思考這個過程、盡量讓歌手進入狀態，開錄前寧願花兩個小時跟歌手溝通（其實通常是聊

天），讓他開始對你產生信任感，針對你對歌曲的詮釋、你的邏輯、甚至思想做溝通，花一些時間讓大家對這首歌的看法一致，再來你可能只要花 20

分鐘就能把這首歌全部收完，我的真實工作情況也大多是如此，我不會不斷地堅持，讓歌手一直 ㄍㄧㄥ 著不斷地唱，因為往往唱到最後會發現，你工

作了六個小時的成果還不如你最後面的十分鐘。配唱其實是在越短時間內完成會得到越好的作品，花越長時間的成果越是零碎，你拼湊出來的東西其

實連自己都清楚那是一個不真實的東西。




Q6：老師過去有配唱過形形色色的歌手經驗，除了實力派 Solo 唱將也有偶像團體，比方說 5566、F4、還

有韓國一線天團 Super Junior 等等，但團體跟個人畢竟還是有很大的差異，可以也請老師分享一下在「團

體組合」跟「個人歌手」的配唱過程中有什麼異同嗎？需要特別留意哪些部分？


團體的配唱其實比較難的地方在於：並不是每個成員都很能唱，通常成員會分為主唱、Rapper、合唱，或是顏值擔當、Vocal 擔當、什麼擔當這樣

子，偶爾還是有些人會有 Solo，這裡 Solo 的唱法我認為跟一般的主唱是沒有兩樣的，就是儘量表現 Vocal 的特色，難是難在如果「齊唱」的時候該

怎麼辦？大家可以思考一個問題，如果你在齊唱的段落做了一個非常強烈表情，這個表情是會被削弱還是放大？它的存在意義並不像你在 Solo 的時候

那麼獨特，它反而會變成一個非常突兀的東西，這是一件很有趣的事情，當你的表情經過累積，Dubbing 一下聽起來或許還可以，但唱了 50 遍表情

其實就不見了，它並不會等比放大，1+1 不會等於 2，反而隨著1+1+1+... 就不見了，「表情」它是會被稀釋跟被弱化的，就好比你加了「柔焦」進來

它就會沒有稜角一樣。


在累積許多團體配唱經驗後，我的作法通常順序是這樣：第一個是必須要採譜，採譜的用意是避免你自己也記不住，這個時候要做滑音、這個時候要

做倚音、這個時候要做轉音、這個時候有沒有切分音、這個時候有沒有需要停頓、煞車的動作，你必須把每個小表情全部都記住，然後讓歌手依樣畫

葫蘆，第一個進去唱的，後面就必須全部都跟他一樣，不能夠有太個性化的表現，如果有些人這個地方有滑、有些人沒滑，你會發現結局是一團亂，

更不用說唱 Swing 或是 Shuffle 那種歌曲，那個恐怖的程度又更難想像，因為每個人對 Swing 的律動感都不太一致，這個是比較困難的部分。第二個

是我會錄一個 Vocal Guide，所有團員以我為標準、對著我唱的位子去 Follow 那樣子的 Groove。總結來說，團體的配唱，獨唱的部分跟一般的獨唱

是一樣的；只要有牽涉到合唱或和聲的部分，作法必須是突顯每個人音色的獨特性、可是統一每個人的表情。



韓國天團 Super Junior（取自 Super Junior 粉絲專頁）

Q7：最後請老師以一句話總結「配唱製作人」的工作，以及老師認為的配唱職人精神為何？


我用同仁堂的格言來總結：「修合無人見，存心有天知。」


「修合無人見」就是說你在做什麼其實沒有人知道，你可能為了某個字一直在糾結，是選這個 take 還是那個 take 好，可能光那個字就花了半個小時

修整。可是「存心有天知」，我常常開玩笑音樂就是良心事業，因為你做什麼沒有人會知道，做音樂好像一直都是這樣子的一個過程，就是音樂人一

直默默地在為音樂做一些連自己都不曉得為什麼要這樣做的事情，可是做得很開心。


配唱是一個極度花時間的工作，無論是在配唱的過程，或是在配唱之後的編輯，你必須非常有熱情、你一定要很喜歡唱歌、你要熱愛音樂，這是最重

要的。
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​訪談、文字編輯：卓怡岑​
影片剪輯：卓怡岑、曾于庭、楊峻綱